Arte

Nan Goldin: la cámara, una prótesis del cuerpo

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Desde los años 70 a los 90 la fotógrafa estadounidense Nan Goldin realizó un trabajo de carácter documental anclado en la ciudad de Nueva York donde abordó temas como drogas, desnudez, SIDA, sexo y violencia de género. Registró de manera fiel las realidades y problemáticas que vivenciaban travestis, homosexuales, Drag Queens, trabajadoras sexuales y jóvenes con dependencia a las drogas. Mostró su cotidianidad. Captó momentos íntimos, vicisitudes, dolores, alegrías y tristezas de un grupo contracultural neoyorquino.

Por Estefania Veronica Santoro @fanusantoro

“Supe, desde temprana edad, que lo que veía en la televisión no tenía nada que ver con la realidad. Así que yo quise hacer un registro de la vida real y para esto debía incluir el tener una cámara conmigo todo el tiempo”

Nan Goldin

El valor que condensa lo que Goldin captó con su cámara no solo se debe a que representa un registro histórico sino, también, al costado artístico de esa obra que sentó un precedente en la forma de hacer fotografía durante las últimas décadas del siglo XX. Parte de este material se puede encontrar en su libro The Ballad of Sexual Dependency (1954) donde explica la necesidad de captar lo que sucedía a su alrededor y cómo la fotografía le permitió inmortalizar esos momentos.

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Su trabajo logró combinar la imagen de tipo documental con la artística. Sus fotos son realidad pura. Todo lo registrado por su cámara sucedió realmente, nada fue montado. Esto hizo que su obra se convirtiera en una fuente documental para la historia. Representa un claro ejemplo de cómo la fotografía puede ser un medio de expresión que registra la realidad sin perder, a su vez, las características de una forma de arte. Documentó las condiciones sociales, existenciales y problemáticas de la vida de un determinado grupo de personas inmersos en un lugar y tiempo específico, pero con una carga artística original y creativa.

Hacer arte de su vida

Nació el 12 de diciembre de 1953 en Washington D.C. Durante su niñez, distintas vicisitudes familiares, el suicidio de su hermana mayor, Bárbara Holly Goldin, y la separación de sus padres la llevaron a vivir en el seno de familias sustitutas. A los 14 años abandonó la escuela para instalarse en una institución educativa experimental en Boston y fue allí cuando comenzó a incursionar en el mundo de la fotografía. A los 18 conoció a los que serían los protagonistas de su trabajo fotográfico futuro. Comenzó a moverse por Provincetown, un lugar vacacional de Massachusetts frecuentado por grupos de gays, donde inició sus relaciones de amistad con quienes compartiría muchos años de vida.

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Goldin continuó con su formación artística y en 1978 se graduó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston. En The Ballad of Sexual Dependency la artista reconoció que el suicidio de su hermana la llevó a la fotografía de manera inconsciente. Esta pérdida le hizo dar cuenta que nunca más la podría recordar exactamente como era, solo recordaba su propia visión que tenía de ella.  “No recuerdo el sentido tangible de quién era ella, su presencia, lo que sus ojos parecían, como sonaba su voz. No quiero volver a perder la memoria real de nadie”, explicó en su libro. Fotografiaba para no olvidar a sus seres queridos, para recordarlos tal como eran y también porque creía que las imágenes podían preservar la vida.  “Me muestran lo mucho que he perdido. Quiero a la gente en mis fotos para mirar hacia atrás”.

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Sus temáticas tuvieron protagonistas reales con nombre y apellido. Fueron sus amigxs y compañerxs de vida; sus rostros aparecieron en su trabajo. Los mostró en su cotidianidad, registró lo que nunca antes se había hecho captando momentos íntimos, vicisitudes, dolores, alegrías, tristezas y enfermedades. Con el paso del tiempo, algunos de sus amigos contrajeron VIH y murieron. Retrató esos instantes. En una de sus obras titulada The Cookie portfolio documentó distintas etapas de la vida de su amiga Cookie Mueller hasta su muerte.

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Una de las imágenes más impactantes. Muestra a uno de sus amigos consumido por la entonces mal llamada “peste rosa” en una camilla de hospital junto a su pareja. Todo el dolor causado por la enfermedad y, al mismo tiempo, el amor más puro de una persona hacia otra. “El SIDA altera nuestra vida en todos los aspectos” decía.

Imágenes como éstas eran únicas en esa época, poseían originalidad artística y documental. Mostraban, a su vez, la problemática de aquellas personas que morían de lo que, para ese momento, era considerada una enfermedad desconocida; la estigmatización y discriminación era muy fuerte. Así se convirtió en una pionera de su época. El estilo de las fotografías instantáneas con flash, cuando se trataba de tomas nocturnas, marcaba una diferencia en cada una de las imágenes con respecto al resto de lxs fotógrafxs.

Retratar la dependencia

En 1981 Goldin publicó The Ballad of Sexual Dependency: una serie de 700 fotografías que documentaban con crudeza y fidelidad los avatares de la dependencia humana y las vivencias de sus amigos en relación a este tema. Exhibió las fotos en formato slideshow de 45 minutos, como si se tratara de una película; musicalizada con una mezcla de estilos sonoros que iban desde la ópera hasta el punk y el blues sin dejar afuera el new wave emergente de la época.

En estas obras tenía el pase libre a cualquier rincón de la vida de las personas que fotografiaba, no tenía que pedir permiso para hacerlo. Contó: “Mi loft era un lugar de ‘culto’ y reunión para muchos; no tenía sentido preguntar, pues fotografiaba de forma natural. La gente tenía sexo frente a mí de forma natural, se paseaba desnuda o se inyectaba como lo más natural del mundo”. Mostró sus círculos de reunión, fiestas, relaciones sexuales, violencia machista y adicciones. Las “drag queens” fotografiadas por Goldin se diferenciaban del resto de lxs fotógrafxs que, en aquella época, las exhibían solo por su extravagancia. Ella, en cambio, las mostró desde la comprensión y admiración absoluta, respetando su identidad. Lo hizo en situaciones cotidianas, momentos íntimos y reales; porque cuando trabajaba nadie actuaba ni se escondía, simplemente la vida sucedía y  registraba cada instante.

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Misty, Taboo y Jimmy Paulette vistiéndose, 1991. “Mi deseo es preservar el sentido de la vida de las personas, para dotarlos de la fuerza y la belleza que veo en ellos. Quiero mostrar exactamente lo que mi mundo se parece. Éste no es sombrío, pero hay una conciencia del dolor, una calidad de la introspección”.

“La gente que aparece en mis fotos dice que estar con mi cámara es como estar conmigo. Es como si mi mano fuera una cámara. En la medida de lo posible, no quiero que haya ningún mecanismo entre el momento de fotografiar y yo. La cámara es parte de mi vida cotidiana, como hablar, comer o tener sexo. Para mí el instante de fotografiar, en vez de crear distancia, es un momento de claridad y de conexión emocional. Existe la idea popular de que el fotógrafo es por naturaleza un voyeur, el último invitado a la fiesta. Pero yo no soy una colada; esta es mi fiesta. Esta es mi familia, mi historia”.

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Llegó a admitir que muchas de las fotografías que tomó fuera de foco fue porque estaba ebria, sin una intención verdadera. Sin embargo este tipo de situaciones fueron las que diferenciaron su trabajo de otros.

La manera en que captó los rostros en primeros planos, las composiciones y los lugares elegidos resultan, en la mayoría de los casos, metafóricos y expresivamente reales. Por ejemplo, la foto desenfocada en la que aparece una pareja en una cama donde se puede apreciar a una mujer con una extrema delgadez y aspecto deteriorado por la adicción a las drogas.

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Trató temas que en aquella época eran considerados tabú. Tuvo un límite; la moda: “Mis fotos no están armadas. Si me consideran una fotógrafa de modas, todo mi trabajo perdería la credibilidad que tiene por el hecho de ser real. Esa es la diferencia entre el arte y la moda: los fotógrafos de modas nunca te hacen llorar”. Se alejó de este tipo de fotografías por considerarlas frívolas y carentes de sentido real.

Se definió como una artista que intenta retratar la realidad para poder conservarla y contemplarla en un futuro. Buscó conmover y documentar lo que estaba sucediendo en un lugar y una época determinada. Fotografió, con crudeza, su rostro después de haber sido golpeada por su novio. Registró un momento íntimo de su vida y se animó a mostrar sus miserias y denunciar la violencia que recibía de su pareja.

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“Me di cuenta de que tomé la foto de mí misma maltratada, así que no me gustaría volver con el hombre que me dio una paliza”.

La obra fotográfica de Nan Goldin representó un material artístico y documental que supo condensar al mismo tiempo estas dos modalidades en cada una de sus piezas. Logró registrar los secretos, las vivencias cotidianas y las problemáticas de grupos sociales en un tiempo y espacio específicos, marcando con su estilo personal cada una de las tomas, dejando impresa la huella de su creación. El uso de las instantáneas con flash, las fotos desenfocadas y oscuras, la composición y los lugares elegidos conformaron la estética particular de esta fotógrafa que supo diferenciar su trabajo del resto de sus colegas de la época. No fue la única en retratar a estas personas, pero sí fue la primera en hacerlo en la vida real.

A comienzos de los 80, temas como el sexo, las drogas y la violencia eran considerados tabú. Su vida se encontraba sumida en estos tópicos y no dudó en registrarlos, captó con su cámara lo que le sucedió a ella y a sus amigos para no olvidarse nunca lo que había experimentado; para recordar a sus compañeros de vida y poder mostrarlos al mundo.

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